Mona Lisa in Scratched Light

Questa è la Mona Lisa secondo Leonardo da Vinci, il ritratto che dipinse all'inizio del sedicesimo secolo e che attrae ancora folle al Louvre, vista nuovamente con ogni traccia di colore abbandonata e l'oscurità autorizzata a prendere il resto. La composizione che tutti portano già nella testa rimane intatta: la testa inclinata, le mani congiunte, il quieto mezzo sorriso. Ciò che viene abbandonato è tutto ciò che di solito la sostiene, lo sfumato, il tono caldo della vecchia vernice, il fiume sinuoso dietro di lei.

Ciò che rimane è costruito da un campo di segni individuali, ognuno graffiato nella superficie del vetro acrilico piuttosto che aggiunto a essa. Il suo volto raccoglie la maggior parte della luce e si tiene insieme come un unico piano tranquillo, il suo petto si apre in un bagliore più morbido e più ampio, e le sue mani congiunte catturano appena abbastanza luminosità per essere lette come mani prima di dissolversi di nuovo nel buio. I suoi capelli sopravvivono solo come poche linee inquiete al margine della luce, e la veste, il velo, il paesaggio dietro di lei sono completamente abbandonati, conservati solo come la forma di ciò che manca.

Il sorriso che ha turbato e affascinato i visitatori per secoli non è tanto descritto qui quanto tenuto, dal minimo spostamento di segni attorno alla bocca e agli occhi, leggibile nell'istante in cui ci si allontana e silenziosamente incerto nel momento in cui si guarda più da vicino. Questa è la domanda che After the Masters continua a porre a ogni immagine che tocca: quanto poco di un capolavoro ha bisogno l'occhio prima di conoscerla.

Mona Lisa in Scratched Light appartiene ad After the Masters, una serie all'interno di Art with Scratch di Tijs Dragtsma in cui le immagini sono costruite attraverso danni superficiali controllati anziché con pigmento o stampa, e in cui quel medesimo danno diventa un modo di chiedere quanto poco di un capolavoro ha bisogno l'occhio prima di riconoscerla, e cosa rimane di lei una volta che il colore è tolto.

L'immagine è sempre presente, sia alla luce del giorno che nell'ombra. La luce non la crea, la affina, così che sotto una fonte diretta i graffi catturano e il contrasto si approfondisce, e l'opera si legge diversamente mentre ci si muove oltre senza mai perderla. Da un capo all'altro della stanza si assesta in un unico volto tranquillo sospeso nel nero, da vicino si apre in un campo di graffi sottili che non si risolvono mai del tutto in pennellate, il che è esattamente il punto.

Questo non è una copia del dipinto né una sua riproduzione, ma una lettura nuova e contemporanea di un'immagine che il mondo già possiede nella sua memoria, costruita per sottrazione anziché per colore. Un linguaggio visivo in cui il danno non è distruzione, ma struttura.

"È sempre stata più sorriso che volto. Qui, è soprattutto luce."

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