Hitchcock in Half Light

Il volto arriva per primo, e quasi nient'altro. Da una superficie tenuta quasi interamente nel nero, il profilo di Hitchcock si costruisce a partire da un campo di fini graffi, densamente raccolti sulla fronte, sul naso largo, sulla famosa pappagorgia, così che i lineamenti sembrano spingersi fuori dal buio anziché poggiarvi sopra. L'orbita dell'occhio, il cavo sotto la mascella, il lato opposto del volto rimangono intatti e svaniscono nel nero puro, così che l'uomo si legge non come una fotografia ma come una presenza colta a metà di una svolta, al tempo stesso osservante e osservato.

Dietro di lui il corvo è appena percettibile. Il suo corpo è suggerito dalla più tenue raccolta di segni lungo un'ala, un singolo artiglio che afferra la spalla, il resto lasciato al buio così che sembra meno un uccello appollaiato nella scena e più qualcosa che si è posato lì senza del tutto annunciarsi. Quella misura porta la propria tensione, la sensazione di un osservatore appena fuori fuoco, il che non si addice a nessun soggetto meglio di questo.

Nessuna pittura. Nessuna stampa. Nessun inchiostro. L'immagine è incisa nella superficie del vetro acrilico, un campo di segni individuali che cattura e trattiene la luce invece di rifletterla uniformemente, così che il volto sembra illuminato dall'interno anche mentre lo sfondo si rifiuta di rivelare qualcosa.

L'immagine è sempre presente, visibile in luce ordinaria come un quieto campo di texture sul fondo scuro. La luce non la crea. La affina, così che sotto una fonte diretta i rilievi del volto si accendono e il contrasto si approfondisce, mentre da un altro angolo lo stesso volto si ritira nella quiete senza mai perdere la sua forma.

Hitchcock ha costruito una carriera esattamente su questo tipo di sguardo, il pubblico che osserva un uomo che, a sua volta, osserva sempre qualcos'altro, spesso qualcosa di minaccioso appollaiato appena dietro una spalla. Qui il linguaggio formale dell'opera diventa un'estensione di quell'idea: un ritratto che deve essere cercato nel buio, costruito dal danno piuttosto che dalla luce, di un uomo che capiva meglio della maggior parte quanto viene portato da ciò che un'inquadratura sceglie di non mostrare.

Quest'opera prosegue la serie Art with Scratch di Tijs Dragtsma, in cui le immagini sono costruite attraverso il danno controllato della superficie piuttosto che attraverso pigmento o stampa. Un linguaggio visivo in cui il danno non è distruzione, ma struttura.

"Ciò che non viene mostrato ti sta ancora osservando."

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