Hepburn and the Fawn's Hush

Audrey Hepburn guarda dall'oscurità con la quiete per cui è sempre stata nota, un cerbiatto stretto contro il suo collo. In quest'opera quasi nulla viene dato direttamente. Lo chignon, la spalla nuda, i famosi occhi e il morbido muso del giovane cervo emergono solo dove la superficie stessa è stata aperta, un campo di sottili graffi che cattura la luce e tiene insieme il suo viso attraverso pura luminosità contro un nero altrimenti intatto.

Nessun colore. Nessuna stampa. Nessun inchiostro. L'immagine è graffiata nella superficie del vetro acrilico, costruita per sottrazione piuttosto che per addizione, cosicché ciò che leggiamo come il suo viso è in realtà un campo di segni individuali, ognuno dei quali lascia passare un po' più di luce, formando insieme una somiglianza che sembra disegnata nella luce stessa.

L'immagine è sempre presente, sotto qualsiasi luce, da qualsiasi angolazione. Ma la luce non la crea, la nitidisce. Sotto luce diretta i graffi catturano e riflettono, il contrasto si approfondisce, lo chignon acquista peso e il pelo del cerbiatto sembra fondersi ulteriormente nel suo. Si muova intorno all'opera e si legge diversamente da un'angolazione all'altra, senza mai perdere l'immagine né tornare al vuoto.

C'è una quieta tenerezza in questo abbinamento, uno dei volti più fotografati del ventesimo secolo, colto non in posa per la macchina fotografica ma semplicemente a tenere qualcosa di piccolo e fiducioso contro di sé. Il cerbiatto non sa chi sia. Conosce solo il calore del suo collo. Quel momento indifeso, privo di glamour, è ciò che l'opera conserva, e ciò che la rimozione di materiale lascia emergere.

Dal lato opposto di una stanza il ritratto si legge come calmo e intero, quasi fotografico nel suo silenzio. Si avvicini e quella certezza si dissolve in un campo di graffi individuali, ognuno troppo piccolo per portare significato da solo, formando insieme un volto che sembra restare immobile giusto abbastanza a lungo per essere visto.

Quest'opera prosegue la serie Art with Scratch di Tijs Dragtsma, in cui l'immagine viene costruita attraverso danni controllati alla superficie piuttosto che con pigmento o stampa. Un linguaggio visivo in cui il danno non è distruzione, ma struttura.

«Alcuni volti non hanno bisogno di colore. Solo luce, e ciò che è stato tolto per trovarla.»

Maggiori informazioni sull'artista, sul processo e sui materiali si trovano nella pagina Chi siamo.

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