Daphne in the Green

La Dafne di Bernini è uno dei corpi più citati nella storia dell'arte, scolpita nell'istante tra la fuga e la trasformazione. Quest'opera non ripete quel momento nel marmo. Lascia andare la maggior parte di lei, conservando solo ciò che la luce può trattenere: la curva della sua spina dorsale, le braccia alzate, le prime foglie che si spezzano dalle sue dita.

Il resto rimane nero, intatto, un vuoto da cui lei sembra stare fuggendo. Ciò che resta è costruito da un campo di fini graffi, segni individuali impressi nella superficie piuttosto che disegnati o dipinti su di essa, finché una figura non emerge da nient'altro che luce accumulata.

Il verde porta qui il soggetto. È il colore dell'alloro, dell'albero in cui Dafne si trasforma piuttosto che la donna che stava fuggendo, e fa calare l'intera scena nel silenzio di un mito ancora a metà respiro, ancora in divenire, né pienamente umano né pienamente foglia.

L'opera è realizzata in vetro specchiato colorato verde profondo. Attorno alla figura, nel fondo scuro che la contiene, la stanza e chiunque vi si trovi davanti vengono restituiti nel riflesso, così che guardare Dafne significa anche vedersi intrappolati nella sua radura.

La luce non la crea. Affila ciò che è già lì. Da lontano si legge come un unico gesto luminoso; da vicino si dissolve nel danno superficiale controllato che l'ha formata, segno dopo segno.

«Daphne in the Green» prosegue la serie Art on Mirror di Tijs Dragtsma, in cui immagini graffiate sono inserite nel vetro specchiato colorato e lo spettatore diventa parte dell'opera. Quest'opera è unica.

«Anche nel pieno del volo, sta già diventando qualcosa che non può essere catturato.»

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