Mona Lisa in Scratched Light

Voici la Mona Lisa d'après Leonardo da Vinci, le portrait qu'il a peint au début du seizième siècle et qui attire encore des foules au Louvre, vu à nouveau avec chaque trace de couleur abandonnée et l'obscurité autorisée à prendre le reste. La composition que chacun porte déjà dans sa tête reste intacte : la tête inclinée, les mains croisées, le demi-sourire tranquille. Ce qui est abandonné, c'est tout ce qui la porte habituellement, le sfumato, la tonalité chaude du vieux vernis, la rivière sinueuse derrière elle.

Ce qui reste est construit à partir d'un champ de marques individuelles, chacune rayée dans la surface du verre acrylique plutôt qu'ajoutée à elle. Son visage recueille le plus de lumière et tient ensemble comme un seul plan calme, sa poitrine s'ouvre en une lueur plus douce et plus large, et ses mains croisées captent juste assez de clarté pour être lues comme des mains avant de se dissoudre à nouveau dans l'obscurité. Ses cheveux ne survivent que comme quelques lignes agitées au bord de la lumière, et la robe, le voile, le paysage derrière elle sont entièrement abandonnés, conservés uniquement comme la forme de ce qui manque.

Le sourire qui a troublé et charmé les spectateurs pendant des siècles n'est pas tant décrit ici que tenu, par le plus petit déplacement de marques autour de la bouche et des yeux, lisible à l'instant où l'on recule et silencieusement incertain au moment où l'on regarde de plus près. C'est la question qu'After the Masters continue de poser à chaque image qu'il touche : de combien peu d'un chef-d'œuvre l'œil a-t-il réellement besoin avant de la connaître.

Mona Lisa in Scratched Light appartient à After the Masters, une série au sein d'Art with Scratch de Tijs Dragtsma dans laquelle les images sont construites par des dommages de surface contrôlés plutôt que par des pigments ou des impressions, et dans laquelle ces mêmes dommages deviennent un moyen de demander combien peu d'un chef-d'œuvre l'œil a besoin avant de la reconnaître, et ce qu'il reste d'elle une fois la couleur retirée.

L'image est toujours présente, aussi bien dans la lumière du jour que dans l'ombre. La lumière ne la crée pas, elle l'affine, de sorte que sous une source directe les rayures captent et le contraste s'approfondit, et l'œuvre se lit différemment au fur et à mesure que l'on passe devant elle sans jamais la perdre. De l'autre côté de la pièce, elle se pose comme un seul visage calme suspendu dans le noir, de près elle s'ouvre sur un champ de fines rayures qui ne se résolvent jamais tout à fait en coups de pinceau, ce qui est précisément le propos.

Ce n'est pas une copie du tableau ni une reproduction de celui-ci, mais une lecture nouvelle et contemporaine d'une image que le monde possède déjà dans sa mémoire, construite par soustraction plutôt que par la peinture. Un langage visuel où les dommages ne sont pas une destruction, mais une structure.

"Elle a toujours été plus sourire que visage. Ici, elle est surtout lumière."

Pour en savoir plus sur l'artiste, le processus et les matériaux, consultez la page À propos.

Pour toute question sur cette œuvre, sa disponibilité ou son expédition, veuillez passer par la page Contact.