Hepburn and the Fawn's Hush

Audrey Hepburn regarde depuis l'obscurité avec la sérénité pour laquelle elle a toujours été connue, un faon pressé contre son cou. Dans cette œuvre, presque rien n'est donné directement. Le chignon, l'épaule nue, les yeux célèbres et le museau doux du jeune cerf n'apparaissent que là où la surface elle-même a été ouverte, un champ de fines rayures qui capture la lumière et maintient son visage uni par la pure clarté contre un noir par ailleurs intact.

Pas de peinture. Pas d'impression. Pas d'encre. L'image est gravée dans la surface du verre acrylique, construite par soustraction plutôt que par addition, de sorte que ce que nous lisons comme son visage est en réalité un champ de marques individuelles, chacune laissant passer un peu plus de lumière, formant ensemble une ressemblance qui semble dessinée dans la lumière elle-même.

L'image est toujours présente, sous n'importe quelle lumière, depuis n'importe quel angle. Mais la lumière ne la crée pas, elle la précise. Sous la lumière directe, les rayures captent et réfléchissent, le contraste s'approfondit, le chignon prend du poids et le pelage du faon semble se fondre davantage dans le sien. Déplacez-vous autour de l'œuvre et elle se lit différemment d'un angle à l'autre, sans jamais perdre l'image ni revenir au vide.

Il y a une tendresse silencieuse dans cet assemblage, l'un des visages les plus photographiés du vingtième siècle, saisi non en train de poser pour l'appareil mais simplement en tenant contre elle quelque chose de petit et de confiant. Le faon ne sait pas qui elle est. Il ne connaît que la chaleur de son cou. Ce moment sans défense, dépouillé de tout glamour, est ce que l'œuvre conserve, et ce que la soustraction de matière laisse émerger.

De l'autre côté d'une pièce, le portrait se lit comme calme et entier, presque photographique dans son silence. Approchez-vous et cette certitude se dissout en un champ de rayures individuelles, chacune trop petite pour porter seule une signification, formant ensemble un visage qui semble rester immobile juste assez longtemps pour être vu.

Cette œuvre poursuit la série Art with Scratch de Tijs Dragtsma, dans laquelle l'imagerie est construite par des dommages de surface contrôlés plutôt que par un pigment ou une impression. Un langage visuel où le dommage n'est pas destruction, mais structure.

« Certains visages n'ont pas besoin de couleur. Seulement de la lumière, et de ce qui a été ôté pour la trouver. »

Pour en savoir plus sur l'artiste, le processus et les matériaux, consultez la page À propos.

Pour toute question sur cette œuvre, sa disponibilité ou son expédition, veuillez passer par la page Contact.