Hitchcock in Half Light

El rostro aparece primero, y casi nada más. A partir de una superficie mantenida casi por completo en negro, el perfil de Hitchcock se construye a partir de un campo de finos arañazos, densamente agrupados sobre la frente, la nariz prominente, la famosa papada, de modo que los rasgos parecen avanzar desde la oscuridad en lugar de posarse sobre ella. La cuenca del ojo, el hueco bajo la mandíbula, el lado opuesto del rostro permanecen intactos y se disuelven en el negro puro, de modo que el hombre no se lee como una fotografía sino como una presencia atrapada a media vuelta, observando y siendo observado a la vez.

Detrás de él, el cuervo apenas está presente. Su cuerpo es sugerido por la más tenue agrupación de trazos a lo largo de un ala, una sola garra aferrándose al hombro, el resto entregado a la oscuridad, de modo que parece menos un pájaro posado en el encuadre y más algo que se ha instalado allí sin acabar de anunciarse. Esa contención lleva su propia tensión, la sensación de un observador justo fuera de foco, lo que no le va mejor a ningún sujeto que a este.

Sin pintura. Sin impresión. Sin tinta. La imagen está grabada en la superficie del vidrio acrílico, un campo de marcas individuales que captura y retiene la luz en lugar de reflejarla uniformemente, de modo que el rostro parece iluminado desde dentro aunque el fondo se niega a revelar nada.

La imagen está siempre presente, visible bajo luz ordinaria como un tranquilo campo de textura sobre el fondo oscuro. La luz no la crea. La agudiza, de modo que bajo una fuente directa los relieves del rostro destacan y el contraste se profundiza, mientras que desde otro ángulo el mismo rostro se retira a la quietud sin perder jamás su forma.

Hitchcock construyó una carrera sobre exactamente este tipo de mirada, el público observando a un hombre que, a su vez, siempre observa otra cosa, a menudo algo amenazante posado justo detrás de un hombro. Aquí el lenguaje formal de la obra se convierte en una extensión de esa idea: un retrato que debe buscarse en la oscuridad, construido a partir del daño en lugar de la luz, de un hombre que entendió mejor que nadie cuánto se sostiene en lo que un encuadre elige no mostrar.

Esta obra continúa la serie Art with Scratch de Tijs Dragtsma, en la que la imaginería se construye a través del daño controlado de la superficie en lugar de pigmento o impresión. Un lenguaje visual en el que el daño no es destrucción, sino estructura.

"Lo que no se muestra aún te está observando."

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