Villeneuve in Half Light

Eine Hälfte des Gesichts von Gilles Villeneuve tritt aus dem Dunkel hervor, die andere bleibt darin. Die Locken, die Stirn, ein Auge, die Linie des Kiefers: alles ist in einem Feld feiner Kratzer gehalten, das das Licht einfängt und dem Gesicht sein Gewicht verleiht. Die andere Seite des Werks bietet fast nichts, nur eine Spur eines Schulterriemens und einer Helmschnalle, die ins reine Schwarz zurücksinken, als würde das Porträt sich selbst weigern, den ganzen Mann auf einmal preiszugeben.

Das ist die Nähe, für die Villeneuve bekannt war, die furchtlose, unberechnete Art, aber hier ist sie aufgebaut ohne eine einzige Linie aus Tinte oder Druck. Keine Farbe, kein Druck, keine Tinte: das Bild ist in die Oberfläche des Acrylglases selbst geritzt, ein Feld einzelner Markierungen, die für ein Gesicht stehen, das immer mehr gefühlt als erklärt wurde.

Die beleuchtete Seite liest sich als Präsenz, die Haut, die Locken, der Zug des Mundes, eingefangen in einem Feld von Licht, das zu summen scheint. Die dunkle Seite liest sich als alles, was ein Fahrer wie Villeneuve mit sich trug, ohne es je laut auszusprechen, das Risiko, die Grenze, den Teil seiner selbst, den er für niemanden bewahrte außer für das Auto und die Strecke. Zwischen diesen zwei Hälften findet das Werk sein Thema: ein Mann, der gleichermaßen aus dem aufgebaut ist, was gezeigt wird, und dem, was zurückgehalten wird.

Von der gegenüberliegenden Seite eines Raumes sammelt sich das Gesicht zu einer einzigen, monumentalen Präsenz, klar aus dem Schwarz dahinter herausgeschnitten. Aus der Nähe löst sich dasselbe Gesicht in ein Feld einzelner Kratzer auf, von denen jeder für sich kein Bild trägt, die zusammen jedoch einen Ausdruck formen, der für eine stille Oberfläche fast zu lebendig wirkt. Das Bild ist immer präsent, sichtbar im Tageslicht wie im direkten Licht, weil die Markierungen in der Oberfläche des Acrylglases leben und nicht darauf.

Licht erschafft dieses Porträt nicht. Es schärft es. Unter einer direkten Lichtquelle gewinnt die beleuchtete Hälfte des Gesichts an Tiefe und der Kontrast vertieft sich, während die beschattete Hälfte genau dort bleibt, wo sie hingehört, im Dunkel, dem sie immer angehörte. Es liest sich aus verschiedenen Winkeln unterschiedlich, ohne je den Mann in seiner Mitte zu verlieren.

Villeneuve in Half Light setzt die Art with Scratch-Serie von Tijs Dragtsma fort, in der Bilder durch kontrollierte Oberflächenbeschädigungen statt durch Pigment oder Druck aufgebaut werden. Eine visuelle Sprache, in der Beschädigung keine Zerstörung ist, sondern Struktur.

"Die Hälfte von ihm im Licht, die andere Hälfte vom Dunkel bewahrt, und dennoch vollständig er selbst."

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