Hepburn and the Fawn's Hush

Audrey Hepburn blickt aus dem Dunkel mit der Stille heraus, für die sie stets bekannt war, ein Rehkitz dicht an ihren Hals gedrückt. In diesem Werk wird fast nichts direkt preisgegeben. Das Chignon, die nackte Schulter, die berühmten Augen und das weiche Maul des jungen Rehs treten nur dort an die Oberfläche, wo die Oberfläche selbst geöffnet wurde, ein Feld feiner Kratzer, das das Licht einfängt und ihr Gesicht aus reiner Helligkeit gegen ein ansonsten unberührtes Schwarz zusammenhält.

Keine Farbe. Kein Druck. Keine Tinte. Das Bild ist in die Oberfläche des Acrylglases geritzt, aufgebaut durch Entfernung statt durch Hinzufügung, so dass das, was wir als ihr Gesicht lesen, in Wirklichkeit ein Feld einzelner Markierungen ist, von denen jede etwas mehr Licht durchlässt und die zusammen eine Ähnlichkeit formen, die in Licht selbst gezeichnet zu sein scheint.

Das Bild ist immer vorhanden, bei jedem Licht, aus jedem Winkel. Doch das Licht erschafft es nicht, es schärft es. Bei direktem Licht fangen die Kratzer das Licht auf und reflektieren es, der Kontrast vertieft sich, das Chignon gewinnt an Gewicht und das Fell des Rehkitzes scheint sich weiter in ihres zu schmiegen. Gehen Sie um das Werk herum und es liest sich von Winkel zu Winkel anders, ohne je das Bild zu verlieren oder zur Leere zurückzukehren.

In dieser Paarung liegt eine stille Zärtlichkeit, eines der am häufigsten fotografierten Gesichter des zwanzigsten Jahrhunderts, festgehalten nicht in Pose vor der Kamera, sondern einfach etwas Kleines und Vertrauensvolles an sich haltend. Das Rehkitz weiß nicht, wer sie ist. Es kennt nur die Wärme ihres Halses. Dieser ungeschützte Moment, aller Glamour entkleidet, ist das, was das Werk bewahrt, und was das Entfernen von Material hervortreten lässt.

Von der anderen Seite eines Raumes liest sich das Porträt als ruhig und ganz, in seiner Stille fast fotografisch. Treten Sie näher heran und diese Gewissheit löst sich in ein Feld einzelner Kratzer auf, jeder zu klein, um allein Bedeutung zu tragen, zusammen ein Gesicht formend, das stillzustehen scheint, gerade lange genug, um gesehen zu werden.

Dieses Werk setzt die Art with Scratch-Serie von Tijs Dragtsma fort, in der Bildsprache durch kontrollierte Oberflächenbeschädigung statt durch Pigment oder Druck aufgebaut wird. Eine visuelle Sprache, in der Beschädigung keine Zerstörung ist, sondern Struktur.

„Manche Gesichter brauchen keine Farbe. Nur Licht, und das, was weggenommen wurde, um es zu finden."

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