A Howl Scratched From Darkness

Der Mund bleibt hier offen, wie er es immer getan hat, doch aus dieser Version tritt nichts heraus außer Licht. Der Schrei, den Edvard Munch der Welt schenkte, hat jede mögliche Nacherzählung überdauert, und diese nimmt fast alles fort, bis auf die eine Geste, die niemand vergisst.

A Howl Scratched From Darkness ist nach Der Schrei von Edvard Munch, gemalt 1893 und heute im Nationalmuseum in Oslo aufbewahrt, ein einziges Bild, das eine persönliche Panik auf einer Brücke in eines der meistgeborgten Gesichter der Kunstgeschichte verwandelte.

Was bleibt, ist die Architektur des Originals: der kahle Schädel halb dem Betrachter zugewandt, beide Hände flach an die Seiten des Kopfes gedrückt, die lange Brücke, die den Blick in die Ferne zieht, zwei Gestalten, die ahnungslos weitergehen. Was losgelassen wird, ist Munchs Farbe, der verbrannt orangefarbene Himmel und der blauschwarze Fjord, vollständig der Dunkelheit überlassen.

Das Gesicht und die beiden erhobenen Hände bilden das hellste Feld im gesamten Werk, eine Maske aus feinen Kratzern, so dicht, dass sie zu summen scheint. Darüber kehren Himmel und Wasser als dieselben langen, wirbelnden Linien zurück, die Munch gemalt hatte, nun nur noch aus Licht geformt, sich über das Schwarz kräuselnd wie etwas, das sich noch immer bewegt. Das Geländer schneidet einige harte, gerade Linien durch die Szene, das einzige Element hier, das sich weigert, sich zu beugen.

Alles andere, der Mantel, die beiden kleinen Gestalten weiter auf der Brücke, der Körper selbst, ist der Dunkelheit überlassen, gegenwärtig nur dort, wo eine Schulter oder ein Ärmel gerade genug Licht auffängt, um gelesen statt beschrieben zu werden. Es ist eine passende Art, diesem besonderen Bild zu begegnen, einem Gemälde, das immer mehr davon handelte, was ein Gesicht nicht zurückhalten kann, als davon, wie ein Gesicht aussieht.

A Howl Scratched From Darkness gehört zu After the Masters, einer Reihe innerhalb von Art with Scratch von Tijs Dragtsma, in der Bildwelten durch kontrollierte Oberflächenbeschädigungen statt durch Pigment oder Druck aufgebaut werden, und in der eben diese Beschädigungen zu einer Möglichkeit werden, zu fragen, wie wenig von einem Meisterwerk das Auge braucht, bevor es den Schrei als seinen eigenen erkennt.

Von der anderen Seite eines Raumes liest sich das Werk als eine einzige blasse Gestalt, mitten im Schrei gegen tiefes Schwarz gefangen. Aus der Nähe löst es sich in ein Feld aus einzelnen Spuren auf, kontrollierte Kratzer, die in das Acrylglas gesetzt sind und die erst gemeinsam ein Gesicht ergeben. Das Licht erschafft das Bild nicht. Es schärft es, und der Kontrast vertieft sich, sodass der Schrei nie ganz verstummt.

„Ein Gesicht, das nie aufgehört hat zu schreien, nun wiederaufgebaut aus nichts als der Dunkelheit, in die es schreit."

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